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1、拉斐尔美学风格：500年后 拉斐尔的“理想美”仍未过时

来源:解放日报

500年后，拉斐尔创造的古典主义理想美为何依然动人？记者采访了华东师范大学孙乃树教授，请他解读拉斐尔绘画之美。

《自画像》乌菲齐美术馆藏

《雅典学院》梵蒂冈博物馆藏

把偶像藏在画中

在文艺复兴之前，欧洲经历了漫长而黑暗的中世纪，几乎所有的艺术只为宗教服务。在中世纪的宗教画里，人物都是僵硬的，那个时代的画作里只有天堂，没有人间。文艺复兴终于打破了1000年来的思想禁锢，人的自我意识逐渐解放，在画家的笔下，人的力量逐渐得到张扬。

摆脱中世纪绘画长期以来的刻板与僵硬，并不是一蹴而就的。文艺复兴早期，画家们在艺术上进行了各种探索。波提切利的《春》一度被认为是有史以来最完美的画作，但用今天的眼光来看，难免有些呆板。原因之一就在于，画家对细节的刻画面面俱到，人物形象显得拥挤。

达·芬奇的横空出世，将绘画技巧带入了一个新的高度。“我曾去米兰的圣玛利亚感恩教堂看过达·芬奇的《最后的晚餐》。在这幅画的对面有一幅文艺复兴早期的画，两者一对比，就会发现《最后的晚餐》要简洁得多。达·芬奇把人物的许多细节提炼了出来，使得整幅画呈现出一种深刻的概括性，这得益于他的三角形构图法以及对人体解剖学深入的理解。”孙乃树教授说。

在“文艺复兴后三杰”中，拉斐尔是最年轻的一位，却代表了文艺复兴时期艺术家所达到的巅峰。年轻的拉斐尔非常擅长学习，他不仅继承了老师佩鲁吉诺完美和谐的风格，还将达·芬奇的三角形构图法、薄雾法等技巧运用到自己的绘画中，且青出于蓝而胜于蓝。他的肖像画同样具有深刻的概括性，他将画面的层次感表达得很清晰，而且处理得十分自然，甚至比达·芬奇还自然。同时，拉斐尔还汲取了米开朗琪罗的特点，展现人的张扬、魄力和宏伟的气势。

在拉斐尔最著名的作品《雅典学院》中，古希腊以来最著名的哲学家、思想家和科学家聚于一堂。拉斐尔通过透视法将观众的注意力引向画面中心最重要的两位人物：柏拉图与亚里士多德，他们似乎正从视觉的焦点向观众走来。柏拉图的形象不是别人，正是60岁左右的达·芬奇，而哲学家赫拉克利特的形象则来自米开朗琪罗。拉斐尔自己也毫不犹豫地“走进”了他所向往的古典世界里。他将自己画在右边起第二位的位置，平静地朝着观众的方向注视着，表达了与时代精英为伍的谦逊。

含而不露的和谐

拉斐尔流传至今的画作约有300余幅，观赏他的画最大的感受莫过于和谐。与同时代的画家相比，这份和谐看似是在不经意间信手拈来，事实上却是精心打磨的结果。

孙乃树教授非常喜爱拉斐尔的壁画《海中仙女该拉忒亚》。欢乐的海神和仙女簇拥着该拉忒亚，海风吹散了她的头发，她面带微笑转身聆听。画面两边的两位海神正在吹海螺，上方的小爱神丘比特拿着爱神之箭。“这样一幅人物众多且动态十足的画，如果画得不好，画面很容易显得零乱。但拉斐尔巧妙地将人物两两对应，神态各异，画面和谐平稳。从这幅画中不难看出拉斐尔对尽善尽美的追求，这种完美来自严密和平衡，它含而不露，不留痕迹。”

在《雅典学院》中，拉斐尔一共刻画了50多位人物，他们置身于一个拱顶大厅中，这个大厅的外观类似当时正在建设的圣彼得大教堂内一角。人物的动作各不相同，他们或蹲着，或站着，或倚着墙，但整个画面非常协调。前景的台阶上有个人颓废地躺着，他是古希腊哲学家第欧根尼。据记载，第欧根尼是一个逍遥不羁的人，经常露宿街头，同时也进行着非常精深的哲学思考。他右面有个人站在同一台阶上，用手指向他。拉斐尔用这种方法把画面联系起来，使人物的关系呈现出和谐感。

从内容上看，达·芬奇《最后的晚餐》和米开朗琪罗的《西斯廷穹顶壁画》仍然属于宗教画范畴，《雅典学院》却脱离了“神”，展现的是独立的“人”的理想国。这是一次大胆的尝试与突破，更是欧洲文艺复兴精神的集合与象征。时空在这里交汇，历史在这里相遇，理想与人性在这里融合，这是《雅典学院》的独特之处，也是拉斐尔创造出的理想世界。

提炼人们理想中的美

拉斐尔一生中画过许多圣母像，这些圣母像给他带来了巨大的声誉。1504年，21岁的拉斐尔所绘的《圣母的婚礼》被评价超越了他的老师佩鲁吉诺。10年后，他创作了大型油画《西斯廷圣母》。歌德曾经感慨：“如果拉斐尔只画了这一幅画，也足以让他流芳百世。”傅雷曾说：“《西斯廷圣母》是艺术史上最动人的作品之一。”在这幅作品中，圣母的形象给人恬静、安宁、秀美之感。与中世纪绘画中消瘦、呆板、痛苦的人物形成了强烈的反差。那份非凡的气度与平凡的母爱打动了几个世纪的观众。

孙乃树教授很推崇《大公爵圣母》。这幅画的明暗处理非常高明，圣母的脸和孩子的肌体慢慢地隐没到斗篷以及背景中去。这来源于达·芬奇的渐影法——通过影子来界定事物的边界，而不是通过线条。

“在他的人物画里，没有任何多余的东西。越是简单的画面，越是容易流于浅显甚至庸俗，但在他的画中却能感受到一种深沉、典雅和高贵，这正是古典主义美学所追求的境界。”孙乃树说。

曾有一位公爵问拉斐尔：你画中的模特究竟是谁？世界上怎会有如此完美的人？其实，拉斐尔并没有对某一个人进行写生，而是汲取了各种人的优点，提炼出人们理想中的美。他的高明在于并没有被“理想美”的标准所束缚，他笔下的女性充满了自然美，充满了爱。

古典主义绘画对西方艺术产生了深远的影响。尽管19世纪后，以凡·高、高更以及塞尚为代表的后印象派逐渐抛却了前人的条条框框，他们认为画画是为了表达人物的心灵、个体的情感以及艺术的本体。此后的抽象主义更是拆解了古典绘画对自然的模仿。但无论艺术潮流如何变化，人们对美的追求依然不变，观众始终渴望在艺术中寻找心灵的慰藉，获得安宁与和谐。从这个角度来说，拉斐尔所追求的古典主义理想美在今天依然有其价值和意义。

2、拉斐尔美学风格，20岁之前的天才杰作降临上海

5月份才在深圳南山博物馆看了拉斐尔的真迹，没想到这么快又能在上海的东一美术馆（Bund One Art Museum）看到来自意大利卡拉拉学院的珍藏，其中也有拉斐尔的代表作品。此外还有贝利尼、鲁本斯、提香、老扬•勃鲁盖尔等名家作品，总体而言感觉比南山博物馆那个同样来自意大利的展览品质还要高一点点。

拉斐尔·圣齐奥《圣塞巴斯蒂安》，约1502年

拉斐尔创作此画时还不到20岁，但大师气度与天才尽显。初看所画像是女性，其实圣塞巴斯蒂安是个美男子，他是古罗马禁卫军队长，因为传教及解救其他基督徒而被罗马皇帝乱箭射死，所以箭是他的标志物。拉斐尔并没有画圣徒被射死的场景，而是平静地手执长箭，以半身肖像画的形式来表现。无论细腻的肌肤、飘逸的头发还是衣服的纹饰，都展现了拉斐尔的天才技巧。头后方的光环据说是后加的。这是一件让人百看不厌的大师作品。展览是按时间顺序来安排的，在第一章节的文艺复兴及早期作品中，拉斐尔其实算是较年轻的。

乔瓦尼·贝利尼《圣母子（阿尔扎诺的圣母玛利亚）》，约1487年

贝利尼是威尼斯画派的创立人，也是乔尔乔内和提香的老师，他的圣母子画被认为是后世圣母子题材的原型，当然也包括拉斐尔的圣母。贝利尼将人性用于表现神灵，圣母忧伤地凝视着耶稣，暗示着耶稣未来牺牲的命运，前景窗台呈现了立体透视感，而梨则代表母性。

乔瓦尼·贝利尼《青年男子肖像》，1472-1473年

贝利尼的两幅作品都是木板蛋彩，这幅尺寸较小。

安德烈亚·曼特尼亚《来自锡耶纳的圣巴纳迪诺》，1450年

曼特尼亚是北意大利第一位文艺复兴画家，画中的圣巴纳迪诺是一位意大利神父，因其在15世纪重振意大利天主教信仰而被尊称为“意大利的宗徒”。

乔瓦尼·迪塞尔·乔瓦尼《爱情的胜利》，约1450-1455年

木板蛋彩金粉画，像是那种祭坛画。

安东尼奥·皮萨内洛《莱昂内洛·德·埃斯特肖像》，1441年

皮萨内洛是意大利文艺复兴早期最著名的湿壁画和肖像画家之一。画中的莱昂内洛侯爵在1441-1450年间担任费拉拉的领主。

洛伦佐·科斯塔《传道者圣约翰》，1480-1481年

可以明显地看出文艺复兴时期的壁画风格。头顶上的光环像帽子一样，很好玩。

维托雷·卡尔帕乔和工作室《圣母的诞生》，约1502-1504年

卡尔帕乔是威尼斯画派的叙事体画家，在绘画上深受贝利尼影响。

阿尔托贝洛·梅洛内《绅士肖像》，约1513年

看着像加勒比海盗，哈哈。

维琴佐·卡泰纳《一位手握佩剑的青年绅士》，约1506-1508年

衣服画得还可以，但是头发比拉斐尔差远了。

乔瓦尼·安东尼奥·博塔费奥《圣母哺乳像》，约1508年

博塔费奥曾在达芬奇的工作室学习，算是他的弟子。

提香·韦切利奥《俄尔甫斯与欧律狄刻》，约1510年

提香被誉为西方油画之父，这幅提香早期作品画的是《变形记》中的故事：欧律狄刻嫁给了俄耳甫斯。她因不慎踩到毒蛇而中毒身亡，俄耳甫斯悲痛万分，进入冥界试图将妻子带回人间，他用深情打动了冥王，但冥王告诫离开地狱前欧律狄刻会一直跟在他身后，但万万不可回头看她。因俄耳甫斯还是忍不住回头，结果欧律狄刻再度坠回冥界，从此二人阴阳两隔。这幅画尺幅较小但表现的场景很磅礴，可能是创作大型作品之前的油画草稿。

吉罗拉莫·真加《圣奥古斯丁为新信徒洗礼》，1516-1518年

有点米开朗琪罗的影子，圣奥古斯丁是一名摩尼教徒，同时也是基督教早期神学家。其思想影响了西方基督教教会和西方哲学的发展，并间接影响了整个西方基督教会。

乔瓦尼·卡里尼亚《乔万尼·贝内代托·卡拉瓦吉肖像》，1518-1520年

洛伦佐·洛托《露琪娜·布伦巴蒂肖像》，1518-1523年

马尔科·巴萨蒂《绅士肖像》，1521年

雅各布·内格雷蒂《圣母圣子与施洗者圣约翰和抹大拉的玛丽亚》，约1520年

脖子那里糊成一团了。抹大拉手里的瓷器不知道是否来自中国，这次很多件作品里都有瓷器。

伯纳迪诺·卢伊尼《敬拜圣子》，约1524年

乔瓦尼·卡里亚尼《音乐家》，1525-1530年

巴萨诺《圣母、圣子与年幼的圣约翰》，1542-1543年

背景的大帷幔用得太取巧了。

焦万·巴蒂斯塔·莫罗尼《二十九岁男子的肖像》，1567年

焦万·巴蒂斯塔·莫罗尼《一位坐着的老人肖像》，约1576年

莫罗尼是16世纪文艺复兴晚期最杰出的肖像画画家之一。

阿戈斯蒂诺·卡拉奇《乌利塞·阿尔德罗万迪肖像》，约1580年

有点哈尔斯的感觉。

彼得·保罗·鲁本斯《圣多米提拉》，约1606年

鲁本斯创作此画时才三十出头，有别于他常见的充满戏剧性的巴洛克作品，此画虽然也是宗教画，却用肖像画的形式来表现圣徒，不过模特倒是他一贯喜欢的胖女人。圣多米提拉出身罗马的皇族，因为信仰基督，被放逐到朋西亚岛，并最终被烧死。她手中的棕榈枝象征她的殉道。此画是鲁本斯在意大利期间创作的。不过现场这幅画刚好摆在一个反光的位置，可惜。

老扬·勃鲁盖尔《蛹蝶花瓶》，1612年

这件的瓷器画得非常逼真，应该是中国货吧。

扬·米恩斯·莫莱纳尔《年轻吸烟者的画像》，约1635年

乔瓦尼·巴蒂斯塔·萨尔维《圣母祈祷像》，1640-1650年

画得很好，南山博物馆那个展也有他一幅圣母子像。

卡洛·安东尼奥·普罗卡其尼和小埃尔科莱·普罗卡其尼《弗洛拉》，约1625-1630年

弗洛拉是罗马神话里的花神，代表春天和鲜花。画中女模特倒是有点男相，与达芬奇的弟子萨莱有点像。

马蒂亚斯·施托梅尔《拿着蜡烛和酒瓶的男人》，1640-1650年

马蒂亚斯·施托梅尔《点燃蜡烛的小男孩》，1640-1650年

这位画家的风格很明显是学卡拉瓦乔的。

S.B.大师《静物：枸橼和洋葱》，约1650-1655年

这位SB大师不知道什么来头，查不到资料。

卡洛·切雷萨《马伦齐家族一位绅士肖像》，约1655年

衣领和衣袖像没画完一样。

卡洛·切雷萨《三岁的塞科·苏阿尔多伯爵，加莱亚佐二世肖像》，1653年

这幅画得很好，3岁小孩被画出了君王气势。

埃瓦里斯托·巴斯赫尼斯《系着粉色丝带的乐器》，1660-1670年

朱利奥·卡皮奥尼《酒神节》，1665-1670年

酒神节是今天各种狂欢节的源头。

朱塞佩·吉斯兰迪，维托雷修士《弗朗切斯科·玛丽亚·布鲁蒂诺肖像》，1737年

保罗·玛丽亚·博诺米诺《妇人肖像》，1737年

朱塞佩·吉斯兰迪，维托雷修士《苏阿尔多与侍者肖像》，1720-1722年

贝尔纳多·贝洛托《罗马提图斯凯旋门》，1742年

贝洛托以这种古代废墟风景画著称。

彼得罗·法尔卡《吻手礼（拜访祖母）》，约1780年

彼得罗·法尔卡《化装舞会》，1757-1760年

贾科莫·切鲁蒂《持扇年轻女子的肖像》，约1740年

弗朗切斯科·瓜尔迪《圣马可广场朝向大教堂》，1760-1770年

这种威尼斯风景画以卡纳莱托和瓜尔迪的最为著名。

弗朗切斯科·祖卡雷利《桥与骑手的风景画》，1730-1740年

朱塞佩·吉斯兰迪，维托雷修士《小画家肖像》，1730-1732年

弗朗切斯科·海耶兹《塞浦路斯女王卡特琳娜·科纳罗被废黜》，1842年

南山博物馆展览最后那幅裸体运动员就是这个画家的作品。此作中女王的左手我觉得比例不对，太粗壮了。

马尔科·德莱迪《从圣阿戈斯蒂诺堡垒看贝加莫》，1815-1820年

贝加莫就是卡拉拉学院的所在地。

乔瓦尼·安德烈亚·卡尔诺瓦利《吉吉娅·里卡尔迪肖像》，1866年

朱塞佩·佩利扎·达沃尔佩多《悲伤的记忆》，1889年

贾科莫·特库尔《年轻女子的肖像（忧郁）》，1860-1870年

蓬齐亚诺·洛弗里尼《盖塔诺·多尼采蒂的最后时刻》，1891年

盖塔诺·多尼采蒂是意大利著名的歌剧作曲家。这幅画的画框很夸张，还雕了小提琴在顶上。

贾科莫·特库尔《比切夫人肖像》，约1845年

这里也有一个瓷器，不过看起来有点像日本的伊万里风格。

切萨雷·塔洛内《少女与玫瑰》，1898年

似乎有印象派的影响在。

安德烈亚·马伦齐《塞里奥瀑布》，1886年

应该是透纳他们引领的壮游风景画潮流的追随者，所以在意大利来说，一直到19世纪末艺术风格都是比较传统的。

展览54件展品都是油画，很有代表性。大部分作品都是裸展，对观众非常友好，由于我是工作日去的，人流量还好。展览会持续到明年元旦，目前没有去其他城市巡展的消息，主办机构之前的展都是只有上海一站，建议大家不要错过这个难得的好机会。

●《文艺复兴至十九世纪——意大利卡拉拉学院藏品展》

展期：2021年8月12日——2022年1月3日

地点：上海东一美术馆（Bund One Art Museum）

门票：188元

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